Trzy okresy kompozytorskie Beethovena: okres środkowy

Pisałem online od ponad sześciu lat. Jestem kompozytorem, muzykiem i pasjonatem sztuki.

Muzyka orkiestrowa w okresie środkowym

Muzyka orkiestrowa środkowego okresu Beethovena zmieniła się dramatycznie nie tylko w stosunku do jego wczesnych kompozycji, ale także kompozycji jego poprzedników, Haydna i Mozarta. Wiele z bardziej eksperymentalnych pomysłów, które były obecne w sonatach fortepianowych Beethovena z wczesnego okresu, było teraz przekładanych na jego kompozycje orkiestrowe. Symfonie i koncerty Beethovena rozrastały się, a ich brzmienie wymagało dodania do orkiestry dodatkowych instrumentów, a bardziej wymagające i wymagające partie wymagałyby lepszych muzyków. Efekt końcowy eksperymentów Beethovena z muzyką orkiestrową zmienił sposób, w jaki przyszli kompozytorzy pisali dla orkiestry.

Symfonia 3 Eroica

Pierwszym ważnym dziełem okresu środkowego Beethovena jest jego III Symfonia, zwana też Eroica, co oznacza heroiczna. Ta symfonia jest punktem zwrotnym w muzyce symfonicznej; sama pierwsza część jest dłuższa niż wiele symfonii napisanych przez Haydna i Mozarta. Kiedy została ukończona, była to najdłuższa symfonia napisana w tym czasie.

Beethoven pierwotnie zamierzał poświęcić i nazwać tę symfonię imieniem Napoleona Bonaparte, ponieważ Beethoven bardzo podziwiał Republikę, którą, jak sądził, Napoleon próbował zbudować. Jednak po tym, jak Napoleon ogłosił się cesarzem, Beethoven wściekle wykreślił z dzieła imię Napoleona, a później przemianował je na Eroica.

III Symfonia Beethovena w dużej mierze opiera się na swoim tytule, obejmując podróż bohatera lub samą ideę heroizmu. Najwyraźniej widać to w pierwszej części symfonii, gdzie bohatersko brzmiący motyw na początku zaczyna się mocno, ale kończy w stanie słabości. Bohaterski motyw rozwija się i zmienia w pierwszej części symfonii, wyruszając w podróż lub przygodę z różnymi wzlotami i upadkami. Dopiero pod koniec pierwszej części motyw jest słyszalny w sposób, który przedstawia heroizm w całej okazałości, bohater jest kompletny.

Przyjęcie koncepcji takiej jak heroizm i osadzenie jej w muzyce nadało instrumentalnej formie sztuki, jaką jest symfonia, narracją. Narracją dołączoną do utworu muzycznego jest Program Music, a ta idea w muzyce była ważną częścią ery romantyzmu, która nastąpiła później.

Symfonia 5

Prawdopodobnie najbardziej rozpoznawalny utwór muzyki klasycznej, jaki kiedykolwiek napisano, V Symfonia Beethovena kontynuuje programowe muzyczne gesty, które podobnie jak III Symfonia są inspirowane ciągłym pogarszającym się ubytkiem słuchu. Beethoven powiedział w liście o jego dalszym ubytku słuchu, co następuje:

„Złapam Los za gardło; nie zgniecie mnie ani nie zmiażdży całkowicie”.

To idea losu inspiruje słynny czterodźwiękowy motyw otwierający tę kompozycję, który Beethoven miał opisać jako pukanie do drzwi. Ten czterodźwiękowy rytm przenika do pozostałych części symfonii, sugerując, że nie można uciec przed losem. Symfonia niesie jednak emocjonalny łuk, który zaczyna się w pierwszej części intensywnym, złym aspektem losu i stopniowo narasta aż do kulminacyjnego triumfu nad losem w części końcowej.

Od Spinditty

W tej symfonii dzieje się wiele wyjątkowych rzeczy. Kończy się w innej tonacji niż się zaczynało, co nie było wtedy powszechne. Część trzecia przechodzi od razu do części czwartej, co również było rzadkością. Jest to również jedna z pierwszych symfonii wykorzystujących puzony, które Beethoven trzyma w rezerwie aż do ostatniej części, aby triumf nad losem był jeszcze silniejszy.

Symfonia 6 Pastoralna

VI Symfonia Beethovena to kolejna symfonia programowa. Kolejna światowej sławy praca, ta symfonia została wykorzystana do przedstawienia mitologicznej scenerii w Disney's Fantasia. Chociaż ta symfonia nie ma nic wspólnego z mitologią, w tej pracy Beethoven nadaje wyraźne nazwy każdemu ruchowi; wszystkie są związane z naturą. Tytuły pięciu części tłumaczone są następująco:

1. Budzenie radosnych uczuć po przyjeździe do kraju

2. Scena nad strumykiem

3. Wesołe spotkanie ludu wiejskiego

4.Burza z piorunami

5. Pieśń pasterzy; wesołe i wdzięczne uczucia po burzy

Idea symfonii pastoralnej jest swego rodzaju rozwinięciem Sonaty fortepianowej 15, zwanej też Pastoralną. Wiele powtarzających się motywów i długich, rozciągniętych harmonii służy do oddania pogodnego aspektu natury, podobnie jak poprzedzająca ją sonata fortepianowa.

Teraz, gdy Beethoven ma orkiestrę, z którą może pracować, może używać niektórych instrumentów do przedstawiania określonych rzeczy w naturze. Na przykład flety, oboje i klarnety w drugiej części reprezentują różne śpiewy ptaków, gdy są grane. W części czwartej kotły reprezentują grzmot, podczas gdy piccolo przedstawia wyjący wiatr burzy.

Koncert fortepianowy 5: Cesarz

To ostatni koncert fortepianowy Beethovena i jego najdłużej trwający ponad 40 minut. Beethoven jest wreszcie w stanie przewyższyć koncerty fortepianowe Mozarta (koncerty fortepianowe były szczytem twórczości instrumentalnej Mozarta) swoim piątym koncertem.

Beethoven miesza w tym utworze standardową formę koncertów fortepianowych. Typowy koncert fortepianowy rozpoczyna się, gdy orkiestra podaje tematy utworu, a fortepian ostatecznie wykonuje solowe wariacje na te tematy orkiestrowe, zwykle z rzadkim akompaniamentem orkiestry. Na początku tego koncertu Beethoven rozpoczyna kadencję.

Uwaga: Kadencja w koncercie jest zwykle wirtuozowskim pasażem granym przez solistę pod koniec utworu, zwykle przed końcowym określeniem tematu.

Użycie kadencji przez Beethovena funkcjonuje teraz jako wprowadzenie do tego koncertu i było to coś, co było w tym czasie bardzo wyjątkowe dla gatunku koncertów. Koncert rozpoczyna swoją słynną ekspozycję, a część tak epicka, jak wstęp, zaczyna się rozwijać. Pierwsza część trwa około 20 minut (wydaje się znacznie krótsza), zajmując połowę czasu całego koncertu.

Część druga jest częścią powolną, której dynamika rzadko kiedy dochodzi do forte. Przechodzi również bezpośrednio do części trzeciej bez zatrzymywania się, gdy fortepian gra temat części trzeciej w zwolnionym tempie pod koniec części drugiej.

Pod wieloma względami na ten koncert można patrzeć jako na utwór dwuczęściowy, przy czym część pierwsza funkcjonuje jako część pierwsza, a część druga i trzecia funkcjonują jako część druga. Wolniejsza część druga pod wieloma względami wydaje się być wydłużonym wstępem do części trzeciej, ale nadal jest od niej niezależna.

Muzyka kameralna w okresie środkowym

Kwartety smyczkowe

W środkowym okresie Beethoven nadal koncentrował się na pisaniu głównie na kwartet smyczkowy i trio fortepianowe. Z tego okresu wyłaniają się kwartety pięciosmyczkowe. Jego pierwszy zestaw trzech kwartetów smyczkowych został napisany dla ambasadora Rosji na austriackim dworze Andreasa Kyrillovitcha Razumowskiego, a jego ostatnie dwa, napisane z tego okresu, zostały napisane wyłącznie dla koneserów i „nigdy nie miały być wykonywane publicznie”, jak ujął to Beethoven. . Kwartety Razumowskiego należą do najpopularniejszych Beethovena. W całym tym zestawie kwartetów smyczkowych Beethoven okresowo włącza motywy rosyjskie do muzyki Razumowskiego.

Kwartet smyczkowy VII F-dur

To pierwszy kwartet, jaki napisał Beethoven, odkąd zrobił sobie przerwę w pisaniu na kwartet smyczkowy we wczesnym okresie. Kwartet smyczkowy nr 7 używa formy sonatowej we wszystkich czterech częściach, co byłoby rzadkością, ponieważ forma sonatowa była zwykle używana w pierwszych częściach, a kolejne części zwykle miały różne formy. Pomimo zastosowania formy sonatowej dla każdego ruchu, ten kwartet smyczkowy nadal ma typowy charakter kwartetu. Jest część przypominająca scherzo, powolna część adagio i kulminacyjny finał; po prostu wszystkie są w formie sonatowej.

W pierwszej części tego kwartetu przez większą część utworu wiolonczela jest głównym tematem, chociaż pozostałe smyczki okresowo przejmują melodię. Punkt kulminacyjny tego ruchu odbywa się w kodzie, gdzie Beethoven ma cztery instrumenty smyczkowe, które wspólnie grają melodię w oktawach. Efekt tego jest bardzo silny i pokazuje coraz ambitniejsze wykorzystanie formy przez Beethovena. Podobnie jak III Symfonia, pierwsza część tego kwartetu smyczkowego była najdłużej napisanym w tym czasie.

Część druga przypomina scherzo, ale znów ma formę sonatową. Część trzecia przypomina typowe adagio, ale podobnie jak scherzo jest nadal w tej samej formie. Część końcowa wykorzystuje motyw rosyjski, grany przez wiolonczelę jako źródło większości materiału, jednocześnie oddając hołd osobie, której kwartety są dedykowane.

Tria fortepianowe

Beethoven skomponował ostatnie ze swoich triów fortepianowych w tym okresie. Dwa tria fortepianowe, które tworzą op. 70 były w swoim czasie wysoko oceniane, zwłaszcza przez E.T.A. Hoffmana i mieli duży wpływ na tria fortepianowe Schumanna i Brahmsa. Jednak jego ostatnie trio fortepianowe, Arcyksiążę Beethoven, przeniosło pisanie na smyczki i fortepian na nowy, podwyższony poziom.

Trio fortepianowe nr 7 Trio arcyksiążęce

Arcyksiążęcy Trio nosi imię arcyksięcia Rudolfa, jednego z patronów i uczniów Beethovena. To trio fortepianowe o długości nieco ponad 40 minut jest jednym z najbardziej ambitnych utworów kameralnych Beethovena iz pewnością jego najdłuższym trio fortepianowym.

Oprócz długości utwór ten znany jest również z tego, że partia wiolonczeli jest znacznie trudniejsza niż partia skrzypiec. Nie znaczy to, że partia skrzypiec nie jest trudna, ale trudniejsza partia wiolonczeli jest trochę anomalią na swoje czasy. Pierwsza część zawiera również jedną z najdłuższych sekcji pizzicato Beethovena (struny szarpane), która mogła posłużyć jako inspiracja dla przyszłych kompozytorów romantycznych, takich jak Czajkowski, który słynie z całej III części swojej IV Symfonii, używając przez cały czas pizzicato w smyczkach.

Sposób, w jaki poruszają się i współgrają ze sobą partie w czterech częściach tej kompozycji, ma wiele wspólnego ze sposobem, w jaki porusza się orkiestra. Nierzadko można usłyszeć tę kompozycję określaną jako symfonia na trio fortepianowe, ze względu na sposób, w jaki te trzy instrumenty grają razem, a także ze względu na jej dużą długość.

Muzyka fortepianowa w okresie środkowym

Podobnie jak we wczesnym okresie Beethoven nadal używał fortepianu jako instrumentu do eksperymentowania z nowymi pomysłami. Chociaż nigdy nie dorównał ilości pisania na fortepian, które ukończył we wczesnym okresie, wciąż było kilka wspaniałych kompozycji na fortepian, które wyszły ze środkowego okresu Beethovena. Najsłynniejszą z siedmiu sonat fortepianowych Beethovena z jego środkowego okresu są numery 21 i 23, lepiej znane pod ich wydawniczymi nazwami Waldstein i Appassionata.

Sonata fortepianowa nr 21 Waldstein

Ta sonata fortepianowa została napisana wkrótce po III symfonii i jest pierwszą sonatą fortepianową średniego okresu Beethovena. Beethoven pracował nad przeniesieniem swoich heroicznych pomysłów z III Symfonii na nowe medium, jakim jest fortepian. Kontynuował także budowanie wcześniejszych pomysłów ze swoich wcześniejszych sonat fortepianowych.

Wstęp do pierwszej części tej sonaty jest bardzo jasny i sprężysty. Szybkie, pulsujące akordy nie były dotąd wykonywane w takim stopniu w sonacie fortepianowej. Pulsujący efekt nabiera intensywności w całej części i jest skontrastowany jedynie przez naprzemienny temat, który zatrzymuje rytmiczną intensywność i gra na pięknym temacie złożonym z akordów.

Druga część Beethovena Sonaty Waldsteina, zapowiadając drugą część V Koncertu fortepianowego, zdaje się również funkcjonować jako wstęp do ostatniej części tej sonaty, a także jako osobna część w całym utworze.

Finał rozpoczyna się pięknym tematem, który ma wiele podobieństw do kontrastującego tematu pierwszej części tej sonaty. Ten piękny temat jest skontrastowany z drugim tematem, który składa się z głośnych, intensywnych pasaży muzyki, zwykle w oktawach. Pod wieloma względami ostatnia część działa jako kontrast lub przeciwieństwo formalnej struktury części pierwszej.

Cała sonata była najtrudniejszym utworem fortepianowym, jaki Beethoven napisał do tej pory. Pianistyczne wymagania tej kompozycji wyniosły gatunek sonat fortepianowych na miejsce, jakiego nigdy wcześniej nie było. Jej trudność dorównywała wirtuozerii najtrudniejszych wówczas koncertów fortepianowych.

Sonata fortepianowa #23 Appassionata

Nazwa Appassionata nigdy nie została nadana tej sonacie przez Beethovena, raczej zaczęła być kojarzona z tą kompozycją w 1838 roku, prawie jedenaście lat po śmierci Beethovena. Podobnie jak Sonata Waldsteina, Beethoven pracował nad poprawą emocjonalnego zakresu pisania muzyki na fortepian.

Pierwsza część tej sonaty fortepianowej zawiera wiele unisono arpeggio w obu rękach, a każda fraza muzyczna nie jest właściwie rozdzielona. Beethoven robi to, aby wywołać duże napięcie w ruchu. Często moduluje również figury unisono arpeggio, jeszcze bardziej wypaczając odczucie toniki (ton ostatecznej rozdzielczości) w muzyce.

Z tymi unisono arpeggiami kontrastuje drugi temat, który jest lirycznym pasażem legato, przechodzącym w szybki, wściekły odcinek, zanim pierwsza część przejdzie do przetworzenia. Beethoven tak naprawdę nie zaczyna dręczyć słuchaczy tonikiem, aż do kody pierwszej części, która jest najbardziej wściekłą i intensywną częścią całej części. Emocjonalne napięcie, które pojawia się w pierwszej części tej sonaty, zanim dojdziesz do tego momentu, jest oszałamiające.

Część druga opiera się na temacie i czterech wariacjach. Prostota tego tematu i fakt, że większość fraz rozwiązuje się na tonice, sprawia, że ​​schemat harmoniczny tej części i schemat tematyczny stanowią bardzo ostry kontrast z częścią pierwszą. Krótko mówiąc, daje to słuchaczom szansę na odzyskanie sił po pierwszej części przed przejściem do części końcowej.

Część końcowa odzwierciedla intensywność emocjonalną części pierwszej. Na przemian w tonacjach molowych i durowych, sonata ta ma zakończenie, które kończy się tragicznie, jako jedno z niewielu utworów Beethovena, które mają takie zakończenie. Wysoce emocjonalny charakter tej pracy doprowadził do wielu spekulacji na temat tego, o czym jest ta kompozycja. Beethoven nie pozostawił dla tego żadnego zapisu narracji, a dziś żadna pojedyncza teoria nie stoi ponad resztą.

Fidelio i Opera w okresie środkowym

Jedyna opera Beethovena została napisana w jego środkowym okresie i nosiła tytuł Fidelio. Operę w tamtych czasach uważano za najbardziej prestiżową formę muzyki, a Beethoven, który teraz stał się najbardziej prestiżowym kompozytorem Wiednia, postanowił napisać operę, aby wzmocnić swoją reputację.

Jako libretto (tekst operowy) Beethoven wybrał historię Leonory. Początkowo Beethoven rozpoczął pracę nad tą operą na początku swego środkowego okresu, nazywając ją Leonore po oryginalnym tekście. Zadebiutował tą operą w 1805 roku i była to komercyjna porażka. Beethoven dokonał więc poprawek i ponownie próbował zadebiutować w przyszłym roku, i znowu opera okazała się komercyjną porażką. Dopiero w 1814 r. Beethoven mógł z powodzeniem wypuścić tę operę, a do tego czasu wprowadzono wiele poprawek do oryginalnej partytury, w tym zmianę tytułu na Fidelio.

Fidelio to opera w dwóch aktach. Podstawowym założeniem opowieści jest to, że Leonore zakrada się do więzienia przebrana za strażnika więziennego o imieniu Fidelio. Jej celem jest uwolnienie męża z więzienia i skorumpowanego naczelnika, który ma go zabić, ponieważ jest więźniem politycznym. Opowieść była w swoim czasie bardzo popularna, a dziś Fidelio jest nadal regularnie grane.

Trudności, jakie miał Beethoven w pisaniu opery, trzymały go z daleka od ukończenia drugiej. Zamiast tego Beethoven nadal koncentrował się na muzyce instrumentalnej, pomimo prestiżowej reputacji opery.

Koniec średniego okresu Beethovena

Ponieważ Beethoven kontynuował rozwój sztuki komponowania muzyki, jego twórczość zaczęła zwalniać około 1814 roku. Przyczyną tego było prawdopodobnie wiele czynników, ale to spowolnienie tempa komponowania doprowadziło do końca środkowego okresu Beethovena. Kilka lat później, kiedy Beethoven zaczął koncentrować się na tworzeniu nowych kompozycji, jego styl zmienił się w to, co obecnie określa się mianem późnego okresu.

Czynnikami, które spowalniały Beethovena, była roczna choroba, w której przez większość czasu był przykuty do łóżka. W 1815 roku zmarł brat Beethovena, Carl, i między Beethovena a żoną Carla wybuchł długi spór o opiekę nad synem jego brata.

Wojny napoleońskie również dobiegały końca, a dawne monarchie były teraz zastępowane w całej Europie. Gdy monarchie te odzyskały swoją władzę, starały się ją zachować, a to oznaczało wprowadzenie ścisłych przepisów dotyczących rodzaju sztuki, który był dozwolony do publicznego oglądania. Wreszcie głuchota Beethovena stawała się coraz gorsza.

Pod koniec swojego środkowego okresu Beethoven przeszedł na emeryturę jako wykonawca, ponieważ ledwo słyszał muzykę, którą grał. Mimo swojej głuchoty nadal okresowo dyrygował muzyką lub stawał u boku dyrygenta i dyrygował z nim. W 1818 r. zaczął prowadzić rozmowy z ludźmi na książkach do rozmów, chociaż do tego czasu zaczął komponować muzykę, która kojarzy się z jego późnym okresem.

Zalecane słuchanie

Dalsza lektura

Podziel się przemyśleniami na temat środkowego okresu Beethovena

Lato 11 października 2016 r.:

Cóż za wspaniała muzyka! Chciałbym, aby młodsze pokolenia zobaczyły piękno Beethovena

Jamila Sahar 18 listopada 2012 r.:

Świetne centrum! Nie mogę się doczekać, aby przeczytać więcej od Ciebie!

Muzyka-i-sztuka-45 (autor) z USA, Illinois w dniu 15 listopada 2012 r.:

Masz rację co do piątej części Appassionaty i Beethovena, motyw losu kryje się w tej pierwszej części, którą właśnie wymazałem, aby nawiązać połączenie. Dzięki za udostępnienie i komentowanie.

Jamila Sahar 15 listopada 2012 r.:

Wow! Chciałbym mieć ten artykuł w szkole podyplomowej! Bardzo obszerna analiza drugiego okresu stylistycznego Beethovena. Ważną notatką dotyczącą jego V Symfonii i motywu losu jest to również w Sonacie „Apassionata”. Osobiście pracowałem nad Sonatą „Burza”, która miała miejsce na początku tego okresu i jest to dość trudny utwór do analizy i grania, zwłaszcza część pierwsza. Dziękujemy za podzielenie się tą wiedzą ze światem i uznanie dla sztuki!

Muzyka-i-sztuka-45 (autor) z USA, Illinois w dniu 11 października 2012 r.:

Witaj Alex, dzięki za komentowanie. Zgadzam się, że chciałbym, aby więcej ludzi słuchało muzyki klasycznej, jest wiele rzeczy, które można z niej wyciągnąć i docenić.

AlexDrinkH2O z południowej Nowej Anglii, USA w dniu 11 października 2012 r.:

Żałuję, że nie udało mi się dzisiaj zaznajomić się z Beethovenem i resztą mistrzów kilku młodszych ludzi, którzy słuchają głównie popowych śmieci. Jaka muzyka! Dzięki za świetny artykuł. Kciuki w górę, tweetowane i udostępniane.

Muzyka-i-sztuka-45 (autor) z USA, Illinois w dniu 11 października 2012 r.:

Witaj Audrey, dzięki za zatrzymanie się i udostępnienie. Cieszę się, że Ci się podobało.

Audrey Howitt z Kalifornii w dniu 11 października 2012 r.:

Ach, będę pierwszy! Co za wspaniały artykuł! Dzielę się tym ze wszystkimi moimi muzycznymi przyjaciółmi!